Pengantar Seni: Mempelajari Seni

Sumber: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/846939

Mengapa setidaknya kita mengambil kursus yang mengajarkan bagaimana cara melihat seni? Tentunya kita semua memiliki mata dan kita semua melihat hal yang sama ketika kita melihat sebuah karya seni, jadi kita bisa memutuskan apa yang kita suka atau tidak suka? Nyatanya, tidak sesederhana itu. Penafsiran kita terhadap karya seni mungkin berbeda dengan orang lain menurut persepsi, keyakinan, dan gagasan kita. Seni juga merupakan salah satu bentuk bahasa; salah satu hal yang dapat berkomunikasi dengan kita bahkan lebih kuat daripada bahasa tertulis. Seni berkomunikasi secara langsung dengan indera kita (penglihatan, sentuhan, bahkan penciuman dan suara) yang membantu kita untuk memahami pengalaman kita sendiri. Dengan belajar melihat, kita mengalami sensasi dan gagasan baru yang memperluas wawasan kita melampaui kehidupan kita sehari-hari.

Isi atau Konten

Seni, seperti yang telah kita lihat, adalah bentuk komunikasi menggunakan bahasa visual. Semua komunikasi memiliki tujuan, yakni sebuah pesan —dengan kata lain, isi atau konten[1]. Dalam seni, konten jarang hanya untuk diarahkan tentang pokok bahasan (subject matter), melainkan tentang makna yang mendasarinya yang diungkapkan dengan cara bagaimana subjek ditampilkan. Untuk memahami isi sebuah karya seni, pertama-tama seseorang harus mengidentifikasi subjeknya, mempertimbangkan konteks di mana karya seni itu dibuat, dan kemudian melakukan analisis formal (mempelajari pengaturan elemen dan prinsip visual karya tersebut.)

Pokok Bahasan (Subject Matter)

Pokok bahasan suatu karya menawarkan informasi awal tentang isinya. Seperti yang telah kita lihat, meskipun keempat karya seni di awal bab ini semuanya memiliki dan menampilkan sungai sebagai subjeknya, namun isi dan tujuan masing-masing karya berbeda. Tentu saja, banyak karya seni yang subjeknya sendiri tidak jelas, dan banyak yang tidak memiliki judul (bahkan, ada karya yang secara khusus oleh senimannya disebut sebagai “Tanpa Judul”) —tetapi karya seni semacam itu masih memiliki konten. Poin ini akan lebih jelas jika kita memahami konsep representasi[2], non-objektivitas, dan abstraksi. Karya seni dapat bersifat representasional (menggambarkan objek atau orang sehingga kita dapat mengenalinya), atau non-objektif [3](menggambarkan pokok bahasannya yang tidak dapat dikenali). Namun, sebagian besar terletak di antara keduanya, tergantung pada tingkat abstraksinya[4]. Konsep-konsep ini membantu kita menganalisis apa yang dipikirkan atau yang ingin disampaikan oleh seniman kepada kita saat membuat karya.

Misalnya, patung marmer yang dibuat oleh Edmonia Lewis (0.0.19) adalah karya seni representasional karena siapa pun yang melihatnya akan setuju bahwa ada seorang pria berdiri dengan rantai di pergelangan tangannya dan seorang wanita berlutut di sampingnya dengan tangan terkatung-katung. Proporsi figur, dan detail ekspresi serta pakaian mereka, semuanya dibuat oleh seniman untuk merepresentasikan realitas sedekat mungkin. Karya seni representasional juga disebut objektif, artinya semua orang setuju dengan pokok bahasannya.

Sedangkan Karya seni non-obyektif sengaja tidak dikenali sebagai sesuatu yang mungkin kita lihat dan kita kenal sebelumnya yang ada di dunia sekitar kita. Untitled (Rope Piece) Eva Hesse (0.0.20) adalah contoh seni non-objektif. Bahan yang digunakan untuk membuat karya seni, terutama tali, mungkin dapat dikenali, tetapi pokok bahasannya tidak. Seni non-objektif, menurut definisinya, bersifat subjektif: tanpa informasi kontekstual tentang niat atau pengalaman sang seniman (lihat hal. 37), kita masing-masing menentukan interpretasi kita sendiri tentang apa arti atau komunikasi karya seni —atau apakah itu berarti apa saja. 

Konsep representasional dan non-objektif dapat dianggap sebagai dua titik akhir dalam rangkaian abstraksi. "Mengabstraksi" berarti mengekstraksi sesuatu atau menekankannya. Abstraksi dalam seni mengacu pada cara seniman dapat menekankan, mendistorsi, menyederhanakan, atau mengatur elemen formal (visual) dari sebuah karya seni. Karya representasional, seperti patung karya Edmonia Lewis, sangat sedikit mengandung abstraksi, sementara karya Eva Hesse sangat abstrak. 

Riverie (Lamunan) dari Allan Houser bersifat representasional karena kita dapat mengenali dua wajah, satu lebih besar dan satu lebih kecil (0.0.21). Kita juga menafsirkan sapuan bentuk ke bawah dari wajah yang lebih besar menjadi punggung, dan wajah yang lebih kecil mungkin mewakili bayi yang digendong ibunya. Seluruh tubuh ibu (punggung, lengan, dan lututnya), bagaimanapun, diabstraksikan menjadi satu bentuk halus untuk menggendong bayi. Tubuh bayi itu hanya terbentur atau tersandarkan di pangkuan ibunya, seolah-olah seperti sedang dibedong rapat-rapat. Kita bisa menginterpretasikan subjek dan bentuk patung karena representasi detail dari wajah para figur memungkinkan kita untuk melihat seorang ibu yang sedang menggendong bayinya. Reverie adalah karya representasional dengan tingkat abstraksi yang cukup tinggi.

Konteks

Bagaimana kita bisa menafsirkan sebuah karya yang berusia beberapa abad dan berasal dari budaya yang sama sekali berbeda dari budaya kita? Beberapa penelitian akan membantu kita mempelajari lebih lanjut tentang karya seni semacam itu dengan memahami konteksnya. Konteks mencakup, misalnya, informasi tentang masyarakat dimana ia diciptakan: bagaimana masyarakat diatur dan diperintah, dan siapa yang mengaturnya? Konteks juga mencakup informasi tentang ekonomi dan agama orang yang membuatnya; detail spesifik tentang orang yang memesannya untuk karya itu dibuat; dan status sang seniman yang membuatnya.

Jika kita mengetahui lebih banyak tentang konteks dimana sebuah karya seni dibuat, kita dapat mempelajarinya lebih banyak daripada yang mungkin kita duga pada pandangan pertama. Misalnya, judul patung Edmonia Lewis adalah Forever Free (berlawanan), dan kita belajar dari konteks bahwa itu dibuat pada tahun 1867, empat tahun setelah Proklamasi Emansipasi Abraham Lincoln, yang membebaskan budak. Kami kemudian lebih memahami bahwa karya tersebut mengungkapkan rasa lega luar biasa yang dirasakan oleh dua budak yang baru saja dibebaskan, serta rasa harapan untuk masa depan. Konteks seringkali membantu untuk lebih memperkaya pemahaman kita tentang karya-karya non-obyektif, yang mungkin tidak mudah untuk diuraikan sebaliknya. Ketika Hesse membuat Untitled (Rope Piece) (justru sebaliknya), dia baru saja didiagnosis menderita tumor otak, yang menyebabkan dia meninggal akhir tahun itu. Elemen karya-karyanya seringkali terlihat berkaitan dengan bagian tubuh manusia, dan Untitled (Potongan Tali) memang terlihat seperti usus, urat, atau elemen dalam lainnya. Seperti dalam karya ini, dia sering menggunakan lateks yang terasa seperti kulit manusia. Lateks memburuk, seperti halnya tubuh manusia. Hesse menggambarkan karya ini sebagai representasi dari kekacauan hidup dan mati.

Lukisan Caspar David Friedrich (1774–1840) Abbey Among Oak Trees (0.0.22) tampaknya mewakili dengan tepat apa yang digambarkan oleh judulnya. Sang seniman telah melukis apa yang awalnya tampak sebagai reruntuhan gereja Gotik yang diapit oleh dua pohon ek besar tempat menara gereja berada. Namun, isi karya menjadi lebih jelas ketika kita mempertimbangkan konteks dunia Friedrich. Dia adalah seorang pelukis Romantik[5] Jerman. Pelukis romantis sering memasukkan pemandangan alam dengan makna spiritual. Friedrich juga seorang Lutheran yang percaya bahwa hubungan seseorang dengan Tuhan bertahan bahkan tanpa campur tangan gereja dan pemimpin agama. Mengetahui bahwa karya-karya Friedrich biasanya mengandung makna religius, terlihat kualitas spiritual yang tercipta dari pencahayaan pada lukisan tersebut. Setelah diamati lebih dekat, terlihat jelas bahwa lanskap ditutupi dengan salib yang menandai situs pemakaman, dan prosesi orang dapat dilihat di salju. Meski bangunan religi sudah tidak ada, orang tetap datang untuk beribadah. Karena keyakinannya, Friedrich telah menanamkan pemandangan musim dingin dengan cahaya spiritual.

Analisis Formal

Akhirnya, karena seni berkomunikasi dengan para audiensnya melalui penglihatan, kita harus memperkenalkan secara singkat bagaimana mempertimbangkan susunan elemen visual dan prinsip-prinsip sebuah karya seni membantu kita menganalisis isinya.

Misalnya, unsur formal dapat meliputi warna, bentuk, tekstur[6] permukaan (mungkin kasar atau halus), dan sebagainya. Perlu digaris-bawahi bahwa bentuk memiliki arti lain dalam seni: ia menggambarkan karya seni yang dapat didefinisikan dalam tiga dimensi (tinggi, lebar, dan kedalaman atau isi). Akan tetapi, untuk tujuan memahami analisis formal, di sini kita memperhatikan bentuk dalam arti memahami penggunaan unsur-unsur formal dalam sebuah karya seni.

Saat kita berkomunikasi dalam tulisan atau ucapan, komunikasi kita terdiri dari kosakata kata-kata individual yang disusun oleh aturan tata bahasa yang memungkinkan kita menentukan makna. Demikian pula, dalam seni, unsur-unsur (seperti kosa kata) diatur oleh prinsip-prinsip (padanan tata bahasa visual). Selanjutnya perlu kiranya diulas secara mendalam unsur dan prinsip seni: warna; membentuk; garis; massa; gerak dan waktu; membentuk; ruang angkasa; tekstur; nilai; volume. Selain itu, kami akan membahas prinsip: keseimbangan; kontras; tekanan; titik fokus; pola; proporsi; irama; skala; persatuan; variasi.

Seniman dapat memanfaatkan elemen dan prinsip dalam banyak cara untuk mengkomunikasikan ide, emosi, keyakinan, kepastian sosial atau politik, dan sensasi, secara visual: sebenarnya hampir tidak ada batasan untuk apa yang dapat dicapai seorang seniman dengan menggabungkan imajinasi kreatif dengan elemen dan prinsip seni.

Sebuah analisis formal secara singkat dari sebuah lukisan oleh seniman Inggris David Hockney (1937) akan menunjukkan kepada kita bagaimana dia menggunakan bahasa visual dari unsur-unsur dan prinsip-prinsip untuk menciptakan sebuah karya seni yang tampaknya sederhana namun sebenarnya mencerminkan dan mengungkapkan peristiwa penting dengan emosi yang kompleks yang belum terselesaikan dalam hidupnya pada saat itu (gambar bawah).

Hockney mengunjungi Los Angeles untuk pertama kalinya pada tahun 1964, di mana dia tinggal di Hollywood Hills. Dia terpesona oleh warna, matahari, dan lanskap kota, sangat berbeda dari kampung halamannya di Yorkshire di utara Inggris. Warna memainkan peran penting dalam lukisan ini, seperti yang terjadi pada semua karya Hockney di Los Angeles. Ubin emas yang terang dan cerah di sekitar kolam kontras[7] dengan warna biru cerah yang mempesona dari bagian kolam di bagian tengah[8] dan dengan hijau subur dan aquamarine yang berkilauan dari perbukitan tepat di belakang. Perbukitan terjauh dari kita dicat dengan warna yang lebih terang dan lebih kabur, menggunakan perspektif atmosfer[9] untuk menyampaikan kesan jarak. Bersama dengan garis putih bergelombang yang menunjukkan gerakan air yang beriak, di mana kita dapat merasakan gerakan perenang di bawah, sang seniman kemudian menciptakan apa yang awalnya tampak sebagai pemandangan yang tenang dan indah, semacam surga yang tidak terganggu.

Potret itu juga menyampaikan perasaan terhadap ruang[10]. Kolam dan sosok yang sedang berdiri di sebelah kanan ditempatkan lebih dari separuh permukaan, tumpang tindih dengan perbukitan, di belakangnya. Nilai[11] terang dari ubin di sekitar kolam kontras dengan warna hijau yang jauh lebih gelap dari perbukitan di dekatnya, menekankan seberapa dekat pemirsa dengan kolam. Hockney meningkatkan rasa keberadaan di tepi melalui penggunaan bentuk. Sudut dan bentuk geometris yang tajam yang dibentuk oleh kolam kontras dengan bentuk perbukitan yang lebih lembut dan organik[12]. Semakin jauh bukit-bukit itu terbentang ke cakrawala, semakin kurang kontras, detail, dan definisinya. Bahkan pada permukaan kanvas dua dimensi[13], ini memberikan kita akan rasa pada jaraknya yang sangat kuat: dan hal ini, saat kita melihat lebih dekat pada karya tersebut, merupakan petunjuk tentang bagaimana sulitnya secara emosional yang ingin diungkapkannya.

Sosok pertama dalam lukisan yang ditekankan (penekanan)[14] sang seniman adalah pria di sebelah kanan, yang sebenarnya adalah mantan kekasih sang seniman, Peter Schlesinger. Mata kami tertuju padanya karena jaketnya yang berwarna merah dan juga karena dia adalah figur terbesar dalam karya tersebut. Karena dia berada di latar depan[15], Peter tampak lebih tinggi daripada bukit di latar belakang[16]: seniman menggunakan skala[17] untuk memusatkan perhatian kita padanya dan membawanya lebih dekat ke audiens yang melihat. Garis juga berperan dalam menjadikannya sebagai titik fokus[18] lukisan: garis-garis di ujung jauh kolam tampaknya mengarah ke sosok Peter, begitu pula ubin tempat dia berdiri. Pada gilirannya, tatapan Peter ke arah air membentuk semacam garis tak terlihat (seniman menyebutnya garis imajinasi/tersirat/ khayalan[19]) ke perenang di kolam renang, John St. Clair, seorang teman Hockney, yang wajahnya tersembunyi di bawah air, dan yang membentuk garis tersebut sebagai area penekanan kedua dalam lukisan itu.

Begitu kita menggabungkan aspek formal lukisan ini dengan konteks kehidupan senimannya, kita sampai pada isi, atau makna dari karya tersebut.

Peristiwa tersebut, dilukis setelah berakhirnya hubungannya dengan Peter Schlesinger, Hockney membuat potret cinta yang hilang. Peter berdiri sendiri dan diam di tepi kolam di bawah sinar matahari yang cerah, menatap ke bawah ke arah perenang. Saat kita memandangnya dari sudut pandang yang sama dengan sang seniman, sosoknya seperti ingin menyampaikan keterpisahan dalam hal tertentu, juga ketiadaan atau kehilangan emosi, yang menunjukkan akhir dari hubungan mereka. Pada saat yang sama, permukaan kolam yang retak, dalam kelarutannya yang berair, mengkomunikasikan perasaan akan hal-hal yang hancur, dan kesedihan yang mendalam serta kehilangan di bawah permukaan berwarna cerah dari pemandangan yang tampak tenang ini. Akhirnya, sosok perenang yang pucat dan penuh teka-teki, menuju ke arah Peter, yang memandangnya seolah-olah menatap kita, mengisyaratkan bahwa dia mungkin sudah memperhatikan masa depan — di mana seniman itu dikecualikan.

Peristiwa tersebut, dilukis setelah berakhirnya hubungannya dengan Peter Schlesinger, Hockney membuat potret cinta yang hilang. Peter berdiri sendiri dan diam di tepi kolam di bawah sinar matahari yang cerah, menatap ke bawah ke arah perenang. Saat kita memandangnya dari sudut pandang yang sama dengan sang seniman, sosoknya seperti ingin menyampaikan keterpisahan dalam hal tertentu, juga ketiadaan atau kehilangan emosi, yang menunjukkan akhir dari hubungan mereka. Pada saat yang sama, permukaan kolam yang retak, dalam kelarutannya yang berair, mengkomunikasikan perasaan akan hal-hal yang hancur, dan kesedihan yang mendalam serta kehilangan di bawah permukaan berwarna cerah dari pemandangan yang tampak tenang ini. Akhirnya, sosok perenang yang pucat dan penuh teka-teki, menuju ke arah Peter, yang memandangnya seolah-olah menatap kepada kita, untuk mengisyaratkan suatu hal bahwa dia mungkin sudah memperhatikan masa depan —kecuali sang senimannya.

Seperti yang ditunjukkan oleh contoh-contoh tersebut, jika kita belajar bagaimana melihat seni, dan menghargai keterampilan yang terlibat dalam pembuatannya, kita akan menemukan betapa menarik dan bahkan mempesonanya bagaimana seni itu. 

---

[1] Penekanan: prinsip menarik perhatian pada konten tertentu dalam sebuah karya

[2] Foreground: bagian dari karya yang digambarkan paling dekat dengan penonton

[3] Latar belakang: bagian dari sebuah karya yang digambarkan paling jauh dari ruang pemirsa, seringkali di belakang pokok bahasan utama

[4] Skala: ukuran suatu objek atau karya seni relatif terhadap objek atau karya seni lain, atau terhadap sistem pengukuran

[5] Titik fokus (focal point): pusat minat atau aktivitas dalam sebuah karya seni, seringkali menarik perhatian penonton ke elemen terpenting

[6] Garis tersirat (imajinasi/khayalan): garis yang sebenarnya tidak digambar tetapi disarankan oleh elemen-elemen dalam karya

[7] Ruang: jarak antara titik atau bidang yang dapat diidentifikasi

[8] Nilai: terang atau gelapnya suatu bidang atau area

[9] Organik: mempunyai bentuk dan bentuk yang tidak beraturan, seolah-olah berasal dari organisme hidup

[10] Dua dimensi: memiliki ukuran dalam bentuk tinggi dan lebar

[11] Kontras: perbedaan drastis antara elemen-elemen seperti warna atau nilai (terang/gelap) ketika disajikan bersama-sama

[12] Bagian tengah: bagian dari karya antara latar depan dan latar belakang

[13] Perspektif atmosfer: penggunaan corak warna dan kejernihan untuk menciptakan ilusi kedalaman. Objek yang lebih dekat memiliki corak yang lebih hangat dan garis luar yang jelas, sedangkan objek yang diletakkan lebih jauh akan lebih dingin dan menjadi buram

[14] Tekstur: kualitas permukaan suatu karya, misalnya halus/kasar, detail/kurang detail

[15] Romantis, Romantisisme: gerakan dalam budaya Eropa abad kesembilan belas, mementingkan kekuatan imajinasi dan sangat menghargai perasaan yang intens

[16] Representation(al): seni yang menggambarkan figur dan objek sehingga kita mengenali apa yang diwakili

[17] Non-obyektif, nonobjektivitas: seni yang tidak menggambarkan subjek yang dapat dikenali

[18] Abstraksi: sejauh mana gambar diubah dari subjek yang mudah dikenali

[19] Isi atau Konten: makna, pesan, atau perasaan yang diungkapkan dalam sebuah karya seni